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Una finta scena di lotta ha più a che fare con la danza che con la violenza. Questo perché le migliori scene di combattimento non somigliano per niente alle vere risse da strada. Quest'ultime sono caotiche e casuali, mentre le scene dei film sono ben preparate e coreografate. Dato che non stai solo cercando di simulare uno scontro fisico, ma anche di filmarlo, la pianificazione è fondamentale.

Metodo 1
Metodo 1 di 3:
Preparare la Scena

  1. 1
    Trova attori prestanti e atletici con cui lavorare. Una finta scena di lotta richiede reale coordinazione. Perché sia convincente, hai bisogno di attori che siano in grado di lottare in modo credibile. Che tu stia filmando un duello uno contro uno o una grande scazzottata, ti servono partecipanti che si muovano con fluidità e destrezza.
    • Se gli attori non si sentono a loro agio a muoversi molto, puoi comunque assegnare loro piccole parti nello scontro. Tuttavia, il tuo lavoro sarà molto più difficile.
    • Lottare per finta è più simile a ballare che a un vero scontro fisico e richiede un livello simile di coordinazione e atletismo.[1]
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    Decidi il tono e lo sviluppo dello scontro. Vuoi realizzare un combattimento di kung fu dalle mosse fulminee o una rissa lenta e intensa? La lotta sarà a senso unico o i partecipanti sono alla pari? Uno di loro potrebbe venire conciato male, ma risollevarsi alla fine e vincere. Qualunque scena tu decida di filmare, pensa alla progressione dello scontro e alle sensazioni che deve trasmettere prima di iniziare a coreografarlo.
    • Come si comportano i lottatori? Ad esempio, un nobile guerriero combatte in modo molto diverso da un pirata senza scrupoli.
    • Preferisci una violenza realistica e cruda o una scena più divertente e cartonata? Quanto è serio lo scontro?
    • Se non stai realizzando il film da solo, mostra al cast e alla troupe le scene di lotta di 3-4 film che somigliano a quella che vuoi creare. Questo aiuta tutti a capire le tue intenzioni.[2]
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    Assicurati che tutti i pugni e i calci passino a 15-20 cm dagli attori. Non si tratta di un aspetto negoziabile; riducendo il margine i partecipanti rischieranno infortuni, aumentandolo i colpi non sembreranno reali. Immagina che Marco debba dare un calcio in testa a Paolo. Ci sono due modi per filmare l'azione. Per iniziare Marco darà un calcio davanti al volto di Paolo, inarcando il piede di fronte al suo naso. Poi, calcerà oltre la sua testa, passando vicino all'orecchio.
    • Un terzo metodo è lasciare che Paolo schivi il colpo, una scena molto più semplice da girare rispetto a un finto contatto, perché non devi "simulare" l'impatto del calcio.[3]
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    Coordina la reazione a ogni colpo in base al tempo dell'azione. Se Marco dà a Paolo un calcio che deve colpirlo in modo realistico, mentre il piede passa la testa di quest'ultimo, Paolo deve lanciarsi nella stessa direzione, simulando il contatto. Prova prima la scena a metà velocità, in modo che entrambi gli attori capiscano esattamente che cosa accade e dove devono andare, poi aumenta gradualmente la velocità a ogni ciak.
    • Per ottenere i risultati migliori ogni colpo dovrebbe arrivare esattamente dove prima si trovava l'altro attore. Se Marco dà un pugno, Paolo dovrebbe arretrare quando lo incassa, per renderlo più credibile.[4]
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    Lascia che sia la persona colpita a guidare i movimenti. Immagina che Marco debba lanciare Paolo a terra. In realtà, non lo farà, ma si limiterà ad afferrare Paolo, che poi si lancerà a terra da solo. Marco simulerà il lancio seguendo i movimenti dell'altro attore. Questo consiglio rende l'azione molto più fluida e sicura, quindi dovresti seguirlo in molti scenari diversi:
    • Immagina che Marco prenda la mano di Paolo e gli rompa il braccio all'altezza del gomito. Tutto quello che dovrebbe fare Marco è prendere la mano di Paolo e seguirlo quando si butterà da solo a terra.
    • Se Marco deve sbattere la testa di Paolo contro un muro, quest'ultimo dovrebbe avvicinarsi con la testa fino a 15 cm dalla parete, poi fingere il contraccolpo. Marco dovrebbe solo seguire quel movimento con la mano.
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    Acquista oggetti di scena sicuri e specifici per il cinema. Non usare mai un'arma reale sul set, persino se deve solo essere inquadrata sullo sfondo. Gli oggetti di scena devono sempre essere innocui e del tutto sicuri. Nelle produzioni professionali, chi si occupa di questi oggetti deve aver ricevuto un addestramento nelle armi da fuoco, persino quando si utilizzano fucili finti e proiettili a salve; c'è una buona ragione per questo, persino sparando a salve si sono verificati infortuni.
    • Puoi acquistare mazze da baseball, spade, nunchaku e molti altri oggetti di scena di schiuma realistici su internet.
    • I coltelli finti devono essere retrattili, cioè la lama si nasconde quando "pugnali" qualcuno.
    • I fucili, persino quelli di gomma, quando non vengono usati devono essere coperti con una canna di un colore vivace, per indicare che sono finti.
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    Prova tutti i movimenti da soli prima di eseguirli insieme. Ad esempio, se la scena inizia con uno scambio di pugni, continua con una schivata su un calcio e termina con un lancio a terra, dovresti provare i pugni, il calcio e la presa singolarmente, poi unirli progressivamente. Quando provi la coreografia di una scena, procedi lentamente, una parte alla volta, in modo da garantire la sicurezza degli attori e che sia eseguita alla perfezione.
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    Aggiungi i dettagli e gli abbellimenti solo quando l'azione principale viene svolta alla perfezione. Ripensa al tono dello scontro e all'attitudine dei personaggi. Ad esempio, un guerriero nobile ed esperto è calmo e sicuro di sé. Quando non combatte resta fermo e mantiene il contegno. Al contrario, un lottatore meno esperto sarà nervoso e tremante. Farà movimenti ampi e carichi di energia, saltellando quando non è in azione, eccetera. Una volta che l'azione è stata coreografata, dedica il tuo tempo al lato artistico della scena.
    • Assicurati di fare le prove in costume. Gli attori devono fare pratica con i vestiti con cui lotteranno davvero.[5]
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Metodo 2
Metodo 2 di 3:
Girare la Scena

  1. 1
    Stabilisci una parola d'ordine che conoscano tutte le persone sul set. Se chiunque si sente a disagio per lo scontro, per la coreografia o per la sicurezza sul set, deve avere a disposizione un metodo per interrompere subito l'azione. Dato che "Fermati!" è una frase che si urla spesso durante gli scontri, scegli un termine unico che ponga subito fine alla lotta.
    • La sicurezza è fondamentale quando giri una finta lotta; anche se non dovrebbe esserci contatto reale, esiste comunque la possibilità di infortuni, in caso di errori.[6]
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    Annuncia ogni volta che in una scena compare un'arma finta. Questo è molto importante per la sicurezza di tutti. Tu puoi sapere che un coltello è finto, ma lo stesso non si può dire per tutto il cast, la troupe o i passanti. Comunica in anticipo quando gli attori utilizzeranno un'arma finta.
    • Se ti trovi in un luogo pubblico, chiedi a un componente della troupe di restare in strada per intercettare e avvisare i passanti.
    • Se arriva la polizia, non cercare di convincerli subito che si tratta di un'arma finta. Mettila a terra, alza le mani e dai le spiegazioni quando ti vengono chieste.
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    Posiziona la telecamera in modo da ridurre al minimo lo spazio tra gli attori. Ad esempio, Marco è a sinistra dello schermo, Paolo a destra e deve colpirlo con il pugno sinistro. Potrebbe sferrare un gancio intorno alla mandibola di Paolo, ma per schivarlo dovrebbe passare vicino al naso, lasciando molto spazio visibile. Per correggere il problema, Marco potrebbe tirare un diretto, superando il volto e l'orecchio di Paolo; la telecamera non inquadrerà alcuno spazio tra il pugno e il volto del secondo attore.
    • In alternativa, metti la telecamera dietro la spalla di Marco. In questo modo potrà sferrare un gancio davanti al naso di Paolo senza che nessuno si accorga che non l'ha colpito.[7]
  4. 4
    Lascia sul set dei "segni" che gli attori possano seguire. Metti del nastro a terra che faccia sapere ai lottatori dove devono sferrare i loro colpi in modo da essere inquadrati. Questo elimina le incertezze da ogni movimento e favorisce la sicurezza di tutti. Ad esempio, puoi avere la certezza che chi riceve il pugno resti a 15 cm di distanza da chi lo sferra.
    • Assicurati che questi segni non conducano gli attori in punti in cui sono accecati dalla luce o peggio dove possano scivolare su sangue finto o qualche altro oggetto di scena.
    • Se devi filmare a bassa altezza e il pavimento è visibile, usa i segni solo durante le prove, poi rimuovili al momento di girare.
  5. 5
    Filma in più riprese, concentrandoti su un solo attore alla volta. Non cercare di riprendere tutto in una volta sola, sarebbe impossibile. Piuttosto, pensa agli attori individualmente. Se hai a disposizione più telecamere, spesso potrai farlo in una sola ripresa. Tuttavia, puoi ottenere lo stesso risultato anche con una camera sola. Riprendendo l'esempio di Marco e Paolo, filma 2-3 volte tutti i pugni di Marco, usando inquadrature leggermente diverse. Poi gira 2-3 volte anche la reazione di Paolo.
    • Questo permette a chi si occupa del montaggio di tagliare dal pugno di Marco al passo indietro di Paolo, nascondendo il fatto che non c'è mai stato un vero contatto.[8]
  6. 6
    Tieni la telecamera in mano invece di usare un treppiede. Le camere a mano tremano naturalmente e puoi cambiarne rapidamente l'orientamento se necessario. Questo ti permette di "nascondere" i pugni finti, in modo che nessuno noti che non c'è stato un vero contatto; inoltre il tremolio conferisce alla scena un senso di frenesia e di dinamismo. Detto questo, evita di scuotere intenzionalmente la telecamera o non si vedrà niente. Lascia semplicemente che i tuoi movimenti naturali aggiungano delle vibrazioni alla ripresa.[9]
  7. 7
    Tieni l'inquadratura stretta. I più grandi coreografi di combattimenti come Bruce Lee possono utilizzare riprese lontane, perché hanno il tempismo e l'atletismo necessari per rendere convincente ogni movimento. Tuttavia, in quasi tutte le scene di lotta dovresti restare sempre vicino all'azione, in modo che la distanza da nascondere con la prospettiva sia minore. Inoltre, un'inquadratura più stretta fa sentire lo spettatore al centro dell'azione.
    • Le occasioni migliori per allargare l'inquadratura sono le parti coreografate in cui nessuno degli attori viene colpito, ad esempio perché schivano diversi colpi di fila.
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    Non riprendere le attrezzature di sicurezza. Se uno degli attori viene lanciato, probabilmente atterrerà su dei cuscini, che naturalmente non vorrai far vedere. Una volta studiata la coreografia dello scontro, pensa alle angolazioni della telecamera che ti permettono di nascondere gli oggetti di scena indispensabili.
    • Se un personaggio viene schiantato contro una parete, riprendilo da dietro, in modo che il suo corpo nasconda l'imbottitura di sicurezza.
    • Per i lanci, la soluzione più comune è riprendere direttamente la persona, in modo che cada verso la telecamera ed esca dall'inquadratura in basso.[10]
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Metodo 3
Metodo 3 di 3:
Unire le Parti

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    Usa tagli rapidi per trasmettere la velocità dell'azione. Il modo migliore per nascondere che una lotta è finta, è mantenere una rapida frequenza di tagli. Questo consente allo spettatore di vedere il pugno senza osservare l'impatto, perché il cervello di chi guarda riempirà da solo le parti mancanti, anche se non vengono mostrate. Più veloci sono i tagli, più una scena sembra caotica e frenetica, un risultato ideale per uno scontro.
    • Non essere sorpreso se in una scena d'azione molto intensa tanti tagli non superano i 2-3 secondi.
    • Puoi esagerare con i tagli e rendere la scena troppo caotica da seguire. Trova dei modi per rallentare il ritmo se necessario, ad esempio facendo un taglio più lungo su un personaggio che riprende fiato prima di ributtarsi nella mischia.
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    Nascondi tutti i contatti con un taglio. Questo è particolarmente importante se il pugno sembra finto. Inizia con una ripresa di Marco che dà un pugno a Paolo. Appena prima del momento dell'impatto, taglia su un'inquadratura di Paolo che inizia a reagire al colpo. Il taglio dà allo spettatore l'impressione che il contatto sia avvenuto anche se non è mai stato mostrato.
  3. 3
    Concentrati sugli effetti sonori per rendere credibile la scena di lotta finta. Le riprese di uno scontro finto sono difficili, ma è il suono che distingue davvero i combattimenti riusciti da quelli scadenti. Abbinare perfettamente ogni pugno con il suono di ossa che si spezzano, con i lamenti degli attori e con il rumore dello spostamento d'aria richiede ore di tempo, ma renderà la tua scena memorabile. Riguarda 2-3 delle tue scene d'azione preferite e fai attenzione a tutti i suoni, dai passi alle grida di dolore.
    • Per ottenere scene davvero incredibili, devi usare la tecnica "foley". Dovrai registrare e creare tu stesso tutti gli effetti sonori, ad esempio guardando la scena e colpendo il terreno perfettamente a tempo con l'azione per ricreare il suono dei passi.[11]
  4. 4
    Permetti agli attori di aggiungere i loro effetti sonori personali alla scena finale. Metti loro un microfono e lascia che grugniscano, urlino e respirino affannosamente mentre si muovono sul set. Mostra loro la scena una o due volte perché si preparino a ogni mossa, poi limitati ad accendere il microfono e chiedi loro di improvvisare i suoni che farebbero in una vera lotta.
    • Puoi occuparti tu di questi suoni, ma è sempre meglio lasciare che siano gli attori a fare i loro effetti sonori.
  5. 5
    Cerca di realizzare una scena con il giusto equilibrio di chiarezza e caos. Le scene di lotta non sono facili da montare; deve essere chiaro quello che accade, ma l'azione deve anche essere frenetica e dinamica, in maniera da imitare un vero scontro. Il modo migliore per ottenere questo risultato è mostrare molte riprese prive di contatti per far capire chi sta vincendo. Ad esempio, potresti indugiare sull'inquadratura di uno dei partecipanti che viene colpito per far vedere che sta perdendo, mentre il vincitore sferra molti pugni senza essere sfiorato.
    • Jackie Chan ha risolto questo problema girando scene di lotta semplici e chiare, poi accelerandole leggermente in fase di montaggio. Il risultato è uno scontro coeso, con lunghe inquadrature ma ricco di energia.[12]
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Consigli

  • Le prove sono fondamentali. Non passare alla vera azione finché tutte le mosse non sono perfette.
  • Concentrati sui piccoli dettagli, come le espressioni facciali solo quando le mosse sono state perfezionate. All'inizio, non dare troppo da pensare agli attori.
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Avvertenze

  • Per girare le scene complesse o le mosse difficili dovresti prendere seriamente in considerazione l'idea di assumere un coordinatore esperto in grado di garantire la sicurezza e il successo della scena.
  • Ferma la lotta se hai anche la minima preoccupazione per la sicurezza di una delle persone coinvolte.
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Cose che ti Serviranno

  • Telecamera
  • Attori o attrici
  • Set privo di ostacoli

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Categorie: Film Making
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